SAN LUIS, REY DE FRANCIA, EL GRECO

SAN LUIS, REY  DE FRANCIA 1587-1596

San Luis, Rey de Francia
óleo sobre lienzo 117 x 95 cm
Museo del Louvre, Paris

Esta pintura representa al santo ataviado con una armadura militar , en alusión a las cruzadas llevadas a cabo por el Rey en Tierra Santa contra los infieles. De tres cuartos, mira directamente al espectador a través de un gesto melancólico hasta rallar lo enfermizo .Pálido y con pronunciadas ojeras , parece faltarle le fuerza que le acompañó en vida.

 

 

Quizás por eso, El Greco destaca los brillos y la majestuosidad de la armadura , que recuerda vagamente a la que luce San Martín en la capilla de San José . El ideal del caballero cristiano se refuerza en la imagen grequiana a través de la clara alusión a la columna destacada en el segundo plano . Con ella se impone la fortaleza y la solidez que le falta al personaje por lo que la escena asume la majestad propia de los retratos de estado, donde es un atributo habitual. Sostiene con delicadeza impropia , el cetro de la justicia y con la otra mano el rematado con la flor de lis propia de los reyes franceses. El atavío se completa con la corona dorada y flordelisada además del manto que cruza el pecho en diagonal , aportando movimiento y colorido a una escena de por sí apagada. El paje, rubio y con ricas vestiduras , vuelve a recordar al del Entierro del conde de Orgaz por lo que se quiso interpretar como un retrato de Jorge Manuel aunque nada hay al respecto concluyente . Las fechas podrían coincidir , aunque en la Exposición de Nueva York y Londres se da el año 1590 para su realización.

 

 

Al fondo, tras los cielos crepusculares, cuesta discernir la breve presencia del paisaje cuyo perfil vuelve a recordar a la ciudad de Toledo, en donde la devoción al santo contaba con un sentimiento muy arraigado, especialmente por lo que se refiere a la faceta caritativa y virtuosa en la que se distinguió por la fundación de hospitales y demás instituciones de beneficencia.

 

 

 

Tamara Tamaral

6-11-2014

 

 

Bibliografía : El Greco , El pintor humanista , Edic Libsa

TRES DANZANTES PABLO PICASSO

TRES DANZANTES

TRES DANZANTES

óleo sobre lienzo 

218 x 157 cm

Tate Gallery Londres

Es ésta una pieza que ha suscitado innumerables comentarios , tanto por su curiosa concepción y su asunto como por la singular anécdota de la que surgió , su ruptura con el sosiego que triunfa en bastantes de las obras de años anteriores y su adscripción al surrealismo, algo que el propio Picasso negó, aunque mantuvo una relación de trato con André Breton, fundador del movimiento.

Éste , que fue el inductor de la teoría y el impulsor de tan célebre y apasionante ismo , proclamó a Picasso como uno de nosotros en su artículo llamado El surrealismo y la pintura , publicado en el cuarto número de Revolution surréaliste .

Con todo , esta corriente proporcionó a Picasso conceptos distintos , imágenes diferentes y un vocabulario formal para expresar emociones, trío de aspectos estéticos que empleó conscientemente. Sin embargo, el presente cuadro surgió de sus estudios relacionados con el mundo del ballet y depende del espíritu cubista por su tratamiento del espacio ; además hay resonancias psicológicas de los simbolistas en un atmósfera de extraño ritualismo de rango primitivo con extravagantes gestos desencajados y rara violencia en los detalles.

En lo concerniente a su origen, al parecer está determinado por la muerte de su amigo Ramón Pitxot, quien años atrás - en el transcurso del famoso banquete que Picasso celebró en 1908 en su estudio de Bateau- Lavoir en homenaje al Aduanero Rosseau - bailó una danza frenética que causó sensación en todos los circunstantes.

Sea lo que fuere , triunfa de modo inesperado , un salvajismo cromático y formal, de signo dionisíaco , que cabe considerar como un torbellino de destemplada energía , plena de furiosa vehemencia y encendida excitación.

Tamara Tamaral

31-10-2014

Bibliografia : Picasso, Edic Taschen

PINTURA CON TRES MANCHAS VASILY KANDINSKY

PINTURA CON TRES MANCHAS 1914

Pintura con tre manchas
óleo sobre lienzo 11 x 112 cm
Museo Thyssen Bornemizsa

Vassily Kandinsky , líder del grupo expresionista de Múnich Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) y uno de los pioneros de la pintura abstracta, atribuía al arte una función mística. Desde alrededor de 1910, el artista renunció a la representación pictórica del mundo a partir de los esquemas de percepción objetiva dictados por la tradición occidental.

 La forma pasa a ser para él «la expresión exterior de un contenido interior» y no debe, por tanto, estar condicionada por las apariencias exteriores de las cosas sino por esa necesidad que le incita al artista a crear. A través de esa necesidad, o fuerza interior, Kandinsky quiere suscitar emociones en el espectador que vayan más allá de las simples sensaciones y le liberen del materialismo de la vida moderna: «El elemento interno, tomado aisladamente, es la emoción del alma del artista. Esta emoción tiene la capacidad de provocar otra emoción, en el fondo similar, en el alma del espectador» .

Pintura con tres manchas, perteneciente a la colección del Museo Thyssen-Bornemisza , fue pintada en Múnich en la primera mitad de 1914 , antes de su regreso a Moscú a finales de ese año, en el momento en que sus experimentaciones pictóricas y teóricas habían llevado al artista ruso a las puertas de la abstracción pura. En la composición, una serie de formas fluctuantes de intensos colores, superpuestas unas sobre otras, ocupan todo el espacio pictórico, mientras que en el centro tres manchas ovoides, más compactas, de colores planos azul, verde y rojo, enfatizan la simbología divina del número tresAhora. bien, a pesar de que Kandinsky se ha liberado prácticamente de toda referencia al mundo de las apariencias, como apunta Peter Vergo, en el dibujo preparatorio a tinta se aprecian ciertas referencias a formas visibles: dos pequeñas barcas con gente, abajo a la izquierda, que podían referirse a algún tema apocalíptico; unas líneas verticales, a la derecha, posibles alusiones a unas figuras esquematizadas, y una forma circular sobre la que Kandinsky ha escrito «Kr». (Krasnoe, rojo en ruso), que es una referencia al sol .

Por otra parte, esta obra de la Colección se ha relacionado en ocasiones con el conjunto de Paneles Campbell (también fechados en 1914), cuatro grandes lienzos encargados a Kandinsky por el empresario americano Edwin R. Campbell , el fundador de la Chevrolet Motor Company, para su casa situada en la lujosa Park Avenue de Nueva York , tras haber contemplado las obras del artista en el Armory Show de 1913. 

Estas pinturas, hoy en el Museum of Modern Art de Nueva York , fueron numeradas por Kandinsky en su lista manuscrita de obras con los números 198 a 201, inmediatamente a continuación de la del Museo Thyssen-Bornemisza , que aparece con el número 196. Por el hecho de ser cuatro y por los cambios de tonalidades entre una y otra, Kenneth Lindsay sugiere que Kandinsky tenía en mente una cierta idea de paisaje y las consideró como la representación de las cuatro estaciones del año .

 En cualquier caso, a la luz de las creencias de Kandinsky , tanto los Paneles Campbell como Pintura con tres manchas deben ser interpretadas como pinturas no-objetivas y como símbolos de una aspiración espiritual. Bajo esta óptica, la combinación de ritmos de formas y colores abstractos que contemplamos, no es otra cosa que la plasmación plástica de la creación del cosmos.

Tamara Tamaral

31-10-2014

Bibliografia : Colección Carmen Thyssen Bornemizsa

                      Kandinsky , Edic Taschen

PATIO DE LOS ARRAYANES JOHN SINGER SARGENT

PATIO DE LOS ARRAYANES 1879

Patio de los Arrayanes
óleo sobre lienzo 43,5 x 58 cm
Colección privada

Sargent fue uno de esos viajeros y buscadores incansables de paisajes exóticos, en los que encontraba temas de inspiración y personajes para sus cuadros. Realizó varios viajes por Francia, España, Grecia, Italia y Marruecos. Sargent quería ser considerado como un pintor de la vida moderna pero sus temas se centraban en el campo y muy raramente en la ciudad, a diferencia de los pintores impresionistas que tenían en la ciudad su escenario favorito.

Su viaje a España fue en el otoño de 1879 y tenía un gran objetivo: estudiar la obra de Velázquez. Su estancia en Madrid le permitió copiar en el Museo del Prado la obra del maestro que todos admiraban, también Carolus-Duran y Manet habían hecho el mismo viaje años atrás. De Velázquez admiraba su dominio de la luz y del color, la pincelada y la representación del espacio atmosférico. A esta lección Sargent añadió la de otros dos grandes maestros: El Greco y Goya.

Su viaje le llevó al Sur a descubrir esa España romántica y pintoresca que estaba de moda en París. Granada y La Alhambra, Sevilla y los Alcázares, son algunos de los escenarios que inspiraron a Sargent obras como Patio de los Arrayanes, Alhambra y Estudio para baile español, este último con clarasreferencias a la obra de Goya.

Tamara Tamaral

29-10-2014

Bibliografía ; 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo

MUCHACHA HACIENDO GANCHILLO GIOVANNI BOLDINI

MUCHACHA HACIENDO GANCHILLO 1875

MUCHACHA HACIENDO GANCHILLO

óleo sobre lienzo 36, 2 x 27 ,4 cm

Colección Clark

Muchacha haciendo ganchillo es una de las magistrales escenas de género de pequeño tamaño que contribuyeron al éxito de Boldini en Francia , inmediatamente después de su mudanza a París en 1871.

Tendría que esperar mucho , hasta la década de 1890 y las primeras del siglo XX , para alcanzar la fama por sus elegantes retratos de personajes de la sociedad parisina. Aparentemente , la pintura de la colección Clark representa a los miembros de una familía burguesa en un momento de relajamiento en una sala desordenada : la joven está ocupada en bordar y el niño examina un  florete.

Es interesante señalar que la alfombra arrugada , el sofá forrado en seda , la viola de gamba y los otros  objetos son los mismos de algunas escenas de interiores realizadas por Boldini ; sin duda se trata de "objetos de escena " que el pintor tenía en su estudio.

La muchacha sentada entre una abundancia de cojines es Berthe , una de las modelos preferidas del artista durante los años setenta . La pintura, por cierto, fue realizada en su estudio, si bien la intención era evocar la atmósfera de una tarde tranquila en familia : una  especie de idilio urbano en el que una atrayente mujer rubia emplea su tiempo de manera productiva y una  adolescente mira un arma " de los mayores ".

El autor se ganaba la vida con holgura pintando este género de escenas , que colocaba en el mercado a  menudo a través de Groupil , uno de los principales marchantes de arte de París.Su repertorio era vasto: las obras estaban ambientadas al aire libre, en los jardines o en las calles de la capital, como en la  obra Al cruzar la calle , y sólo ocasionalmente  los personajes aparecían representados con  ropajes del siglo XVII y XVIII .

Con estos cuadros, Boldini se sumaba al éxito  obtenido por los pintores de´género franceses, especialmente, Jean-Louis- Ernest Meissonier, elogiado por sus interiores a escala reducida. Lo que Boldini añadió a este tipo de obras  fueron sus colores con una gama más luminosa y un tratamiento más suave e indefinido, que en Muchacha haciendo ganchillo se evidencia espléndidamente en la gradación cromática de la alfombra o en las pinceladas deslumbrantes de los pliegues del vestido de la mujer. 

Estos elementos denotan la influencia de la nueva generación de pintores impresionistas que, hacía  mediados de los años setenta , conquistaban el interés del público.

Tamara Tamaral

28-10-2014

Bibliografía : Libro de la Colección Clark Edit Museo del Prado

LOUIS COMFORT TIFFANY JOAQUIN SOROLLA

LOUIS COMFORT TIFFANY 1909

Louis Confort Tiffany
óleo sobre lienzo 190.3 x235 cm
The hispanic Society of New York

La exposición personal celebrada por Sorolla en 1909 en The Hispanic Society of America  de  Nueva York , bajo los auspicios de Archer Huntington , supuso el reconocimiento definitivo del artista ante la crítica neoyorquina , su triunfo absoluto entre la alta sociedad norteamericana y, como consecuencia , la conquista de una nueva clientela que encumbraría al pintor a las cotas más altas de la fama y el prestigio internacionales alcanzados hasta entonces por ningún otro pintor español de su época.

Además de las sustanciosas ventas de buena parte de los cuadros que figuraron en esta ambiciosa muestra, que suponía al cabo su carta de presentación en los Estados Unidos , Sorolla fue requerido a partir de entonces por los personajes y familias más distinguidas de los círculos  políticos , empresariales y sociales norteamericanos para posar ante sus pinceles , realizando  a partir de estos años buena cantidad de retratos , la mayoría de ellos sujetos a la fórmulas 

más al uso del retrato elegante de encargo, dentro de un gusto cosmopolita y decorativo , que  condicionó en muchas ocasiones la libertad creativa del artista en favor de una mayor complacencia ante sus clientes.

Uno de los magnates americanos que adquirió varias obras de Sorolla en esta exposición fue  el famoso diseñador de vidrios y también pintor Louis Comfort Tiffany , que compró para su colección los lienzos Idilio entre flores, Pabellón de Carlos V ( Alcázar de Sevilla ) ,Playa de  Biarritz y Niña con lazo azul, Playa de Valencia entrando entonces en contacto con Sorolla, no sólo como coleccionista sino como colega de profesión , por lo que a la hora de encargarle  un retrato , quiso quedar inmortalizado en su calidad de pintor .

Nacido en Nueva York el 18 de febrero de 1848, Louis Comfort Tiffany era hijo de Charles  Lewis Tiffany ( 1812-1902 ) fundador del famoso establecimiento de joyería neoyorquino  Tiffany Co. Tras ingresar en la academia militar Eaglewood , en Perth Amboy ( Nueva Yersey ) emprendió su formación artística en su ciudad natal junto a Georges Inness ( 1835-1894 ) marchando más tarde a París como alumno de Louis Bailly , desde donde viajó a Marruecos ; país cuya luz y colorido le influirían definitivamente en sus cuadros con paisajes y escenas de  costumbres norteafricanas .

Sin abandonar su interés por la pintura , se especializó pronto en el tratamiento del vidrio con  fines artísticos , fundando en 1879 con otros socios la empresa Louis Comfort Tiffany and  Associated American Artits, para independizarse a partir de 1885 , especializándose desde entonces en la elaboración de objetos de vidrio construyendo a partir de 1893 en su fábrica Tiffany Glass Furnaces en Corona Queen ( Nueva York ) que le daría fama mundial y lo convirtieron en uno de los nombres fundamentales del Art Nouveaux . Casado en dos  ocasiones tuvo cuatro hijos de cada uno de sus  matrimonios . Falleció en Nueva York  el 17 de enbero de 1933.

Cuando Tiffany conoció a Sorolla gozaba ya desde hace años de un reconocido prestigio  internacional por su labor como diseñador industrial de objetos de vidrio de color. Sin embargo, quiso pasar a la posteridad por los pinceles del maestro valenciano en su faceta de pintor , aunque sin descuidar su apariencia de distinguido caballero , reflejo al cabo de su relevante posición en la sociedad neoyorquina de su tiempo. Así , posó para Sorolla en la primavera de 1911 a sus sesenta y tres años , vestido con un elegante traje crudo con chaleco. Está sentado ante su caballete con el pincel y la paleta en las manos, que descansa en las rodillas , en un  alto de su trabajo para mirar al frente, en un gesto de aparente conversación con el autor del retrato, subrayándose así la relación profesional entre ambos pintores. Tiffany posa junto a  su querido perro Funny, entre un abrigado macizo de flores del extenso jardín de su magnífica  mansión de Laurelion Hall de Oyster Bay , en Long Island , construida según su propio diseño en 1924 , adivinándose tras ellas las tranquilas aguas de la bahía surcadas por un velero.

El retrato de Louis Comfort en su ubicación original

Aunque en algunas ocasiones se ha considerado este retrato como consecuencia o paralelo del de otro pintor Raimundo de Madrazo , pintado apenas cinco años antes , Sorolla se plantea  en este lienzo un reto estético completamente distinto y mucho más audaz en su expresividad pictórica hasta convertirlo seguramente en el retrato de mayores valores plásticos de toda su producción americana.

En efecto, a diferencia de la efigie de Madrazo , en la que el personaje no muestra signo alguno de su profesión, posando ante un entorno de jardín sencillo y despejado, en este caso Sorolla tiene muy presente la voluntad de Tiffany de representarse como pintor y artista , transformando el fondo del jardín que le rodea en una verdadera paleta de colores encendidos  y brillantes , en el que las flores se abigarran rebosantes de materia pictórica , articulándose 

entre si como una catarata multicolor formando un deslumbrante tapiz floral que recrea la  misma estética de las famosas vidrieras que dieran fama mundial a Tiffany, intentando captar la esencia de su propio arte.

Este diálogo voluntariamente establecido entre Sorolla y su modelo de " pintor a pintor " , le permite dar rienda suelta a la hora de resolver el retrato , sin tener que atender a etiquetas o convenciones , para desenvolverse por el contrario con total libertad pictórica a la hora de encajar su figura en el espacio natural del jardín al aire libre, aspecto que tanto interesaría  al artista a partir de estos años , con una sorprendente audacia pictórica en el protagonismo matérico de las flores, que en su explosión de color llegan a eclipsar a la propia efigie de  Tiffany y que pone a Sorolla en esta obra en al vanguardia de los planteamientos fauvistas más atrevidas de estos años , consiguiendo asi uno de los retratos más deslumbrantes y espectaculares de toda su producción. En el respira con palpitante e irresistible intensidad  el valor de la pura pintura , en un grado muy difícil de encontrar en ningún otro de los  numerosos retratos de encargo realizados por Sorolla a su amplia clientela americana.

Esta estética voluntariamente vistosa y colorista que Sorolla infundió al retrato resultaba especialmente acorde con el entorno decorativo del Patío de la fuente de la mansión de  Tffany donde estuvo colocado regularmente integrándose perfectamente con los motivos ornamentales que harían tan característicos los diseños de su propietario .

Tamara Tamaral

28-10-2014

Bibliografia :Obras Maestras Blanca Sorolla, Edic El Viso

LOS COMEDORES DE PATATAS VICENT VAN GOGH

LOS COMEDORES DE PATATAS  1885

Los comedores de patatas de Vicent van Gogh

óleo sobre lienzo 82 x 114 cm

Amsterdam, Van Gogh Museum

Es el cuadro más importante de la época holandesa de Van Gogh , antes de establecerse en París. Aunque luego su estilo cambía notablemente con la adopción de una paleta clara y luminosa y unas composiciones menos elaboradas , para Vicent siguió siendo una de sus obras maestras: en 1887 escribió a su hermana Wil que lo conceptuaba " lo mejor que había hecho "y todavía en 1890 retomó el motivo en algunos dibujos ejecutados en Saint Rémy.

Los temas campesinos estaban muy difundidos en la época decimonómica ,tanto en Holanda  como en Francia, pero pintores como Millet e Israëls hacen una interpretación romántica de ellos.Van Gogh, por el contrario , renuncia  al idilio , creando una imagen de gran crudeza y realismo. 

En una mísera cabaña , de espacio angosto y desnudo, están sentadas cinco personas de  distintas edades , la familia campesina reunida en el momento de la comida vespertina . La luz inestable de una lámpara hace destacar los rostros angulosos y las manos nudosas ,que muestran los signos del trabajo cotidiano.

Las figuras aparecen aisladas , sus miradas no se cruzan y la niña que está en la sombra dando la espalda al espectador es un factor de distanciamiento que se excluye de la escena. Van Gogh no somete a sus personajes a idealización alguna , por el contrario destaca su tosquedad utilizando los colores oscuros y sucios. En una carta a su hermano explica que ha querido subrayar que " esta s personas han cavado la tierra con las mismas manos  que ahora se extienden hacía el plato " y, añade " Hablo del trabajo manual y de cómo se han ganado honradamente el alimento " 

La obra representa para Vicent un manifiesto de su credo artístico y social ,hasta el punto de que el cuadro fue preparado por una infinidad de estudios  y bocetos compositivos.

Tamara Tamaral

28-10-2014

Bibliografía : Van Gogh , Edit Biblioteca El Mundo

LE PONT NEUF PIERRE AUGUSTE RENOIR

LE PONT NEUF 1872

Le Pont Neuf 1872

óleo sobre lienzo 75 x 94 cm

National Gallery of Art of Washington

Aunque a Renoir se le conocía más por sus retratos ,desnudos y escenas de la vida parisiense , con este cuadro pintó una de las vistas urbanas a contraluz más bellas de todos los tiempos . El 24 de marzo de 1875 salió a la venta durante la subasta de los impresionistas en el Hôtel Drouot de París y lo compró Duran- Ruel por solo  trescientos francos en representación del coleccionista Nicolas Auguste Hazard.

El 1 de diciembre de 1919 Hazard se lo revendió al galerista Georges Berheim porla suma considerable para la época de cien mil francos . Después de viajar a Estados Unidos y de pasar por varias ciudades particulares de prestigio ( Ralp M 

Coe, Robert Boggs, Peter Bezinger , en 1966 ingresó en la Alsa Melow Bruce ( 1901-1969 ) y en 1970 lo compró el museo de Washington.

El Pont Neuf es el más antiguo de París. Lo empezó Enrique III en 1578 y fue Enrique  IV quien terminó en 1607. Tiene doce arcos, mide 275 metros y une la Ile de la Cité con ambas orillas del Sena. Se trata de uno de los lugares más típicos de París, representado en obras de Turner, Jongking y Monet ( por ejemplo en el Quoi du Louvre, 1866-1867. También hay representaciones de Utrillo, Signac y Pissarro, que en 1962 le dedicó una hermosa vista nevada.

Según un testimonio transmitido por John Rewald, Renoir pintó la escena desde la ventana de un segundo piso de un café, donde podía trabajar sin gastar más de céntimos, el precio de dos cafés .Mientras tanto , su hermano Edmond detenía a los transeúntes con cualquier excusa para que el artista pudiera esbozar rápidamente sus figuras, cosa que hacía con pocas pinceladas y toques velocesde color. Renoir se limita a insinuar los detalles de la ropa y las facciones de las caras sin definirlas, para dar una impresión de movimiento y acercarse al efecto que podría tener una instantánea fotográfica.

Le Pont Neuf Renoir ha elegido un día despejado con el cielo de un azul intenso por el que se pasean nubes blancas cómo copos de algodón, que aún da más  brillo a la escena. Obsérvese los edificios construidos tras las intervenciones urbanísticas de Hausmann que borran por completo la identidad medieval del cuadro. Entre los abundantes personajes que dan vida al cuadro vemos uno que se repite abajo, en el centro y en la esquina inferior izquierda. Lleva un sombrero claro de paja y un bastón. Se trata de Edmond hermano ( y en este caso  ayudante del pintor ) . Al fondo a la derecha se entrevé la estatua ecuestre de  Enrique IV sobre un macizo pedestal. Abajo, a la derecha, vemos uno de los  muchos establecimientos que bordean el curso del Sena.

Las sombras no están delineadas con negro y gris, tal cómo establecían las reglas académicas, en éste caso utilizó tonos cálidos de azul, que sugieren la impresión de la luz intensa de principios de la tarde,

Tamara Tamaral

28-10-2014

Bibliografía : El Impresionismo , Edic Taschen

LA GRENOULLIÉRE

LA GRENOULLIÉRE

La Grenoulliére ( literalmente " estanque de ranas " ) es un restaurante tranquilo con playa y sala de baile, situado en la isla de Croissy, en medio del Sena, entre Chatou y Bougival. Por aquellos años se puso muy de moda entre los parisinos, que podían llegar en poco tiempo y a un precio razonable gracias a la linea ferroviaría de París a Saint-Germain, la primera construida en Francia ( con estación en Chatou ).


LLegó a la cima de su popularidad tras la visita del emperador Napoleón III con su esposa Eugenia. Entre finales de los años sesenta y principios de los setenta se convirtió en un verdadero status symbol, y muchos pintores, y muchos pintores académicos de éxito se construyeron casas en los alrededores para pasar los fines de semana y las vacaciones de verano. Tampoco faltaron escritores que  ambientasen sus relatos o novelas en el establecimiento, como Maupassant.


Entre 1868 y 1870 Renoir y Monet hicieron muchas excursiones por el Sena, parándose en los puntos más pintorescos para pintar juntos al aire libre. La importancia de esta colaboración reside en que les ayudó a definir su propio  estilo y ser más conscientes de sus capacidades expresivas. Lo que les empujaba hacía la orilla del río era la necesidad de estudiar los efectos del parpadeo de la luz solar en el agua en movimiento. Para reproducirlos aplicaban los colores de la tela  mediante pinceladas sueltas, de intensos contrastes cromáticos, que recogían a la perfección el paso regular de la corriente.


En los cuadros sobre los baños de la Grenoulliére, por ejemplo, pintaron paisajes desde el mismo punto de vista , comparando sus obras y dándose consejos. Su objetivo también era construir el espacio sin usar los métodos tradicionales de la perspectiva, que habían aprendido en la Academia, sino a través de la superposición de planos y de la yuxtaposición de colores iluminados de distinto modo, siguiendo las indicaciones contenidas en los manuales de óptica de Chevreul.

La Grenouillére ,1869 Claude Monet

óleo sobre tela 74,6 x 99,7 cm

Metropolitam Museum of New York

La composición entre este cuadro y el que pintó Renoir sobre el mismo tema permite constar a simple vista los aspectos comunes y las diferencias estilísticas entre los dos pintores. La presencia de un número inferior de personas en el islote del centro y la vegetación menos tupida, permitieron a Monet ensanchar el campo visual de la composición.

La Grenoulliére ,1869, Pierre Auguste Renoir
óleo sobre tela 66,6 x 81 cm
National Museum, Estocolmo

A diferencia del cuadro que se conserva en el Museo Puskhin de Moscú, donde Renoir prefiere un encuadre más próximo, en esta obra eligió un punto de vista diferente que le permitió dar más espacio al agua del Sena y a las barcas. En ambas obras, sin embargo, el pintor realiza las faldas anchas de las mujeres, convertidas en manchas de color que infunden vida y movimiento a toda la composición.

Bañistas en el Sena  ( La Grenoulliére ) 1869, Pierre Auguste Renoiróleo sobre tela 59x 80 cm
Museo Puskhin, Moscú

Este cuadro es uno de los más cercanos al estilo impresionista, por la frescura con que está pintado el río, la habilidad con la que están plasmados los reflejos de la luz en el agua y la espontaneidad en la captación de los gestos de las figuras del primer plano. La obra transmite al espectador la visión del mundo serena y optimista de Renoir, su alegría de vivir y compartir la despreocupación de los personajes representados.

Tamara Tamaral

27-10-2014

Bibliografía : Gran Atlas del Impresionismo, Edic Electa

                      El Impresionismo, Edic Taschen

LA CELESTINA IGNACIO ZULOAGA

LA CELESTINA 1906

La Celestina

óleo sobre lienzo 

Museo Reina Sofia , Madrid

El vasco Ignacio Zuloaga y Zabaleta ( 1870- 1945 ) fue también un pintor de éxito A partir de 1890 permaneció temporadas en París , de forma que se mezclan en él las influencias nacionales españolas con el movimiento impresionista y simbolista de  Francia. Allí conoció a Degas, Gauguin y Tolousse Lautrec.

Zuloaga fue toda su vida un ferviente admirador de Velázquez y Goya, pero sobre todo de El Greco . Adquirió y renovó la casa de éste en Toledo , coleccionó sus obras con entusiasmo para legarlas a la posteridad . Zuloaga comenzó su carrera copiando las obras maestras 

españolas expuestas en el Prado. Tras el obligatorio paso por Roma se dirigió a París para asociarse al taller de  Gervex , amigo de Renoir y Manet . Así pudo contactar  directamente con la vanguardia francesa de la época.

Compartió su taller de Monmatre con Gauguin quien le introdujo en las escenas de los simbolistas en torno a Mallarmé . Pese a su admiración por el simbolismo , regresó pronto al estilo más austero de la tradición  española que ya había cultivado en sus obras primeras

En esa tradición Zuloaga se mostró sin ambages como un artista español. Obras como La Celestina muestran en el dinámico trazado de sus lineas sus extraordinarias  dotes de dibujante , así como cierto influjo de Toulousse Lautrec  ( al que Zuloaga admiraba ) en la acentuación de las lineas y superficies , en los fuertes claroscuros y en la composición del motivo.

Las escenificaciones de Zuloaga , con frecuencia de  gran formato , no tienen aquel acento jovial que  caracteriza a Sorolla . Lo mismo puede decirse de sus motivos tomados de la vida popular española , en los que se muestra vinculado a la tradición nacional de un realismo mágico, pintando personajes  marginales , gitanas, mendigos, mutilados o brujas para deformarlas hasta lo grotesco.

Surgieron también retratos de personalidades de la época , músicos, actores, bailarines, pintores y escritores de la " joven España " sin excluir retratos del rey Alfonso XIII y de la alta nobleza. Fueron sus retratos de personalidades mundanas los que  hacía 1900 le confirieron el rango de pintor de la sociedad reconocido internacionalmente , lo cual exigía amplías concesiones al gusto del salón.

Tamara Tamaral

27-10-2014

 :Bibliografía. El Impresionismo , Edic Taschen

PAISAJE IDÍLICO OLGA SACHAROFF

PAISAJE IDÍLICO

Paisaje idílico

óleo sobre lienzo 81 x 100 cm

Colección Carmen Thyssen Bornemiza

Tras su instalación definitiva en Barcelona en 1939, Olga Sacharoff se especializó en pintar retratos - la mayoría por encargo de la burguesía culta- paisajes, bodegones,flores y cuadros de interiores. Su relación con el mundo artístico local, y, sobre todo, por sus paisajes, la crítica la incluyó entre los cultivadores de ese género, muy desarrollado en Cataluña desde su despegue a comienzos del siglo bajo la influencia de la pintura francesa. 

Paisaje idíico, pintura sin fecha, pero posiblemente de comienzos de los años cincuenta no se corresponde con la realidad mostrada , ya que el punto de vista es excesivamente alto , las sombras no siguen la misma dirección y los tamaños de las figuras y animales y de parte de los árboles y plantas no son proporcionales . Se trata de una representación de un jardín " salvaje " de un parque zoológico , en el que no faltan animales exóticos dentro de una cerca , un quiosco y paseantes. Un tema que se podría haber inspirado en el Zoo de Barcelona y en el jardín que la artista y su esposo poseían . Es un motivo que Olga Sacharoff había abordado en algunas ocasiones anteriores como Parque zoológico de 1948, si bien en este cuadro la vegetación y el río artificial son los protagonistas , en vez de las personas y animales como en pinturas anteriores en las que el punto de vista adoptado por el artista solía ser frontal, al contrario del muy elevado de este cuadro .

El tratamiento de la vegetación ( los chopos, el sauce joven del primer `plano en el islote, los juncos y las plantas ornamentales próximas al embarcadero y las restantes plantas de la ribera ) es muy similar al de otras pinturas coetáneas El baño de 1953 y otras posteriores Caballos en un lago 1958, y recuerda al de cuadros del Midi francés , que el artista pintó en los años treinta . Las pinceladas largas y muy diluidas predominan en los dos triángulos laterales de las zonas verdes , mientras que en el tercer triángulo de la composición del río , prevalecen los toques curvos y en dientes de sierra , para simular el movimiento del agua sobre la superficie azul.

Posiblemente Olga Sacharoff pintó el cuadro en su estudio y en pocas sesiones, lo que deducimos que la rapidez de ejecución, apreciable en las grandes manchas de color que cubren la imprimación clara , que se vislumbra sobre todo los chopos del fondo y de las figuras apenas esbozadas - así como de la fluidez y los matices del colorido -resultado este último de aplicar el óleo sobre capas todavía húmedas - que le dan un aspecto de pastel acabado que ya destacó la crítica como uno de los valores del estilo de esta pintura.

La placidez del tema de este cuadro junto al cuidado equilibrio de la distribución del colorido y de las formas transmiten una sensación de sosiego, bienestar y quietud, fines buscados por Olga Sacharoff en su vida y obra

Tamara Tamaral

26-10-2014

Bibliografía ; " Del paisaje naturalista a las Vanguardias "Colección Carmen Thyssen