CAMPOS DE TULIPANES EN SASSENHEIM, CERCA DE LEIDEN CLAUDE MONET

CAMPOS DE TULIPANES EN SASSENHEIM, CERCA DE LEIDEN 1886

CAMPO DE TULIPANES EN SASSENHEIM, CERCA DE LEIDEN
Óleo sobre lienzo 59,7 x 73 cm
Colección privada

PINTADO durante su tercera estancia en los Países Bajos , Campo de tulipanes en Sassenhein es una de las cinco obras que Monet hizo sobre el mismo tema . El estímulo para hacer el viaje de 1886 provino de una invitación de un diplomático francés destinado en La Haya , para que  fuera a estudiar estos campos en flor . Según una carta que Monet envió al escritor Théodore Durel, el diplomático era " un admirador de su pintura que quiso mostrar al artista el cultivo  de bulbos y los enormes campos completamente florecidos ".

El color intenso de los campos de tulipanes atrajo a Monet, aunque creía carecer de instrumentos suficientes para plasmar este esplendor en un lienzo. De hecho , comentó la mezcla de colores que veía en un campo de tulipanes: " Es admirable, pero hace enloquecer al pobre pintor ; no  se puede transmitir con los pocos colores de que disponemos". Aún así, Monet siguió tratando de captar las exhuberantes tonalidades que iba encontrando. En Campos de tulipanes en Sassenhein recrea esos efectos con manchas de rojo brillante, amarillas y cremas. Las hojas de las flores son verdes y purpúreas , y toda la escena está colocada bajo un luminoso cielo azul. La densidad del empaste no sólo añade riqueza al color , sino que también otorga profundidad a la pintura y logra captar la textura visual  del campo de tulipanes y de las flores que se mecen en la brisa.

Evidentemente, Monet estaba satisfecho por el resultado final de Campo de tulipanes en Sassenhein, ya que lo incluyó en una exposición importante en París , pocas semanas después de haberlo terminado . Los críticos centraron su atención en la vivacidad de los colores de la pintura algunos para elogiar su " intensidad extraordinaria " otros para  menospreciar " la exageración de rojos y azules " Campo de tulipanes en Sassenhein pasó luego a formar parte de la colección privada del marchante de Monet.


Bibliografía : Monet, Edic : Biblioteca " El Mundo "

Tamara Tamaral
12-08 -2014

COSIENDO LA VELA JOAQUIN SOROLLA

COSIENDO LA VELA 1904

Cosiendo la vela
óleo sobre lienzo 93,5 x 130 cm
Colección Masaveu

En el año 1904, Sorolla era ya un artista totalmente consolidado , se sentía seguro de lo que hacía y deseaba conocer la opinión del gran público en las grandes capitales del mundo del arte. Para ello, aconsejado por sus amigos, decidió organizar grandes exposiciones individuales que dieran una idea que lo que estuviera pintando. Hasta este momento nunca se habían visto más de seis obras suyas en una misma exposición internacional y entre las nacionales, sólo en Madrid de 1901 se había podido ver reunidas dieciseis . Estos años serán especialmente fecundos y no decaerá su afán por superarse como artista .

El verano de 1904 en la playa de la Malvarrosa pinta hasta bien entrado el otoño numerosas obras relacionadas con el trabajo en el mar , además de los alegres cuadros de niños y jóvenes disfrutando de la playa , asuntos que se enmarcan 

dentro de esos " ocios estivales " a los que se refiere Ramón Pérez de Ayala.

Cosiendo la vela pudo ser uno de los últimos cuadros que pintó en esta estancia en la playa cuando ya estaba bien entrado el otoño, o en el invierno cuando acudió con su familia a Valencia a pasar la Navidad . Y no lo descubrimos solo por la vestimenta de los pescadores , la luz que tan fiel y brillantemente reproduce Sorolla en sus cuadros no es ya la de verano .Pintada a primera hora de la tarde , es una de las obras que irradian luz ,la luz ya existía en el preciso momento en el que fue creada, que no es una luz refleja, sino la la luz solar generadora de vida , de belleza, alegría y bienestar .Una luz que vibra, lo que entusiasma a Sorolla

Repasando la vela ,1908
óleo sobre lienzo 40x50,5 cm
Madrid, Museo Sorolla

En estos dos pescadores sentados en la arena de la playa mientras mientras cosen una gran vela , por encima de la imagen del trabajo de la edad de sus protagonistas trascienden otros valores positivos ,como es la sensación de bienestar que produce el sol , calentar sus cuerpos de ancianos, tonificándolos , infundiéndoles vida, algo que en buena parte se debe al optimismo que Sorolla transmite en la obra, generado gracias a esa sensación de luz solar y color vivo.

La composición moderna y atrevida de esta pintura, con una gran tela blanca desplegada en la arena , hace recordar inmediatamente otro cuadro con el mismo título pero pintado ocho años antes,que también tituló Cosiendo la vela en la que una vela blanca y la luz , que se filtra a través de un emparrado , son los absolutos protagonistas de la obra, y precisamente por su atrevida y moderna composición no fue bien entendida en España en su momento 

Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Labsa

 Tamara Tamaral
12-08 --2014

BAÑISTA RUBIA PIERRE-AUGUSTE RENOIR

 BAÑISTA RUBIA 1881

BAÑISTA RUBIA
óleo sobre lienzo 81,6 x 65,4 cm
Colección privada

Bañista rubia representa un momento de transformación en el itinerario artístico de Renoir y es una de las obras  más significativas que se llevó a Francia al regreso de su viaje a Italia entre 1881-1882 .Afirmaba haberla pintado  en un barco en la bahía de Nápoles , es decir, una práctica tipícamente impresionista , aunque esto pueda parecer improbable .


El paisaje marino , que se asemeja vagamente a la costa de Capri , es como un telón de fondo y la modelo casi con certeza la amante y futura esposa del artista , Aline Charigot, posa como si estuviera en la playa , o incluso en el estudio .

De todas formasel cuadro capta todo el esplendor de la luz solar sobre las generosas formas de la " bañista " sentada frente al observador como una Venus moderna emergiendo del mar con la melena de un rubio rojizo agitado por la brisa.


Creado mientras Renoir estaba estudiando intensamente el arte clásico y los antiguos maestros , el cuadro demuesrtra el creciente interés del artista por definir claramente las figuras y evitar los signos exteriores de la modernidad , para lograr una imagen atemporal.




Años después Aline diría que estaba muy delgada durante la estancia  en Italia . Si esto fuese verdad , las amplias proporciones de la Bañista rubia podrían reflejar la intención de Renoir de monumentalizar las figuras, algo que recuerda los desnudos de las obras de Tiziano y Rembrandt, artistas a los que admiraba tanto como a Rafael.


A pesar de las innovaciones , la pintura no se aparta completamente del estilo impresionista de Renoir . En particular el modelado de la carne con suaves azules y rojos para sugerir espacios de sombra ,asi como la variedad de colores en el pelo de la modelo , son recursos típicos del impresionismo, lo mismo que la suelta incelada de fondo de colores vivos. En conjunto , la obra conserva el toque magistral de Renoir para combinar forma y color.

Bibliografía : Renoir, Pierre -Auguste , Edic : Biblioteca " El Mundo "

                       Tamara Tamaral
                            12-08-2014

EL CACHARRERO FRANCISCO DE GOYA

EL CACHARRERO 1778

El cacharrero

óleo sobre lienzo 259 x 220 cm

Madrid, Museo del Prado

El cacharrero pertenece a una serie de veinte cartones que se le encargaron a Goya en octubre de 1777 con escenas de la vida de Madrid . La Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara tenía que ejecutar a partir de ellos los tapices de " antedormitorio "y  " dormitorio " de los príncipes de Asturias, los futuros reyes Carlos IV y María Luisa de Parma, en el palacio de el Pardo. Goya entregó a la fábrica una escueta factura por El cacharrero el 6 de enero de 1779.


La riqueza de la escena , una de las más alabadas y populares del numeroso conjunto de cartones para tapices de Goya, ha dado pie a varias interpretaciones de carácter alegórico . En primer lugar se ha pensado que el artista buscaba realizar una vanitas a la manera de la pintura del siglo XVIII , es decir, una alegoría de la fragilidad de las cosas terrenales. La idea de la vanitas clásica estaría aquí simbolizada por el contraste, muy pensado dentro de la composición , muy pensado dentro de la composición , entre las jóvenes y la vieja , representación muy tradicional de las edades del hombre y del paso de la vida , así como de la fugacidad de la belleza . La sugerencia simbólica del paso del tiempo estaría reflejada, además de en la descripción de las mujeres , en detalles como el movimiento del carruaje y, sobre todo, en el giro continuo de sus ruedas. La prostitución ha sido otra de las interpretaciones propuestas, al considerar a loa vieja como una celestina que acompaña a dos jóvenes que van a ofrecer en la feria , y al establecer el tradicional paralelo entre la fragilidad de la cerámica , que se rompe al primer golpe, y la fácil virtud de las muchachas.




Los caracteres de las figuras y las actitudes y diálogos entre unas y otras , sin embargo, claramente descritos por el propio Goya en su factura. En ella, se refería a las jóvenes como " Señoras "lo que efectivamente parece por sus elegantes atuendos y joyas, mientras que los dos caballeros que miran al coche , muy bien vestidos también, , con casacas de seda bordadas en oro, podrían ser sus parejas. Al fondo, aparece una mujer ataviada con vestidos de las clases más bajas del pueblo, mientras que en la carroza va otra " Señora " pero en este caso de la aristocracia, a juzgar por todo el acompañamiento de lacayos y cocheros con las lujosa libreas de una casa de la nobleza. Goya ha presentado, a través de la variedad de sus figuras, incluida la del vendedor, el carácter totalizador de la fiesta popular, una vez más como metáfora de la humanidad . En su cartón , el pintor parece dejar muy claro que para todas los personajes hay algo que no se puede alcanzar; los pobres del fondo nada pueden comprar, la joven del primer plano toca la dudosa pieza que tiene en la mano- que como las del suelo es de loza moderna-, con gesto de desear la vajilla , sin duda más cara, que le ofrece y señala el valenciano con el gesto de su mano izquierda, y que no vemos al quedar fuera de la composición. Los caballeros de espaldas, sentados sobre la humilde paja , admiran a la inalcanzable dama del coche, sin duda de una posición social más elevada, mientras que ella, recluida en el carruaje y acompañada de un hombre vestido de oscuro - tal vez un abate- cuya manga se deja ver por la ventanilla de la carroza-mira con melancolía la alegre animación de la fiesta. Sólo la vieja se agarra con fuerza su plato de barro popular, como si no le interesara la oferta del cacharrero.



La escena, pintada por Goya en este período aún temprano de su actividad artística en Madrid , es un prodigio narrativo. La complicada composición , con varios planos que se entrelazan unos con otros, permite reflejar los variados grupos y figuras, el bullicio del tráfico de la ciudad y la vida cotidiana, adelantándose en casi cien años a las ideas de la pintura francesa de mediados del siglo XIX y a su interés por representar la vida moderna. Por otro lado, su técnica excepcional y su sensibilidad por el color y la representación de la luz están aquí al servicio de la perfecta captación de la materia, como la de los cacharros de loza del primer término, uno de los mejores detalles de naturaleza muerta de toda su pintura. Por último , los gestos variados de sus figuras, tanto como su expresividad corporal, tan difícil de conseguir con este naturalismo, sirve para definir y explicar al espectador la pequeña historia intemporal , de deseos y envidias humanas , que se desarrollan entre sus ojo


Bibliografía : " 100 Obras Maestras del Museo Nacional del Prado "

Tamara Tamaral

12-8-2014

AUTORRETRATO CON TRAJE ORIENTAL REMBRANDT

AUTORRETRATO CON TRAJE ORIENTAL 1631

Autorretrato con traje oriental
óleo sobre tabla 81x 54 cm
París, Petit Palais , Musée des Beaux Arts de la Ville

En este cuadro Rembrandt se retrata como si fuera un elegante caballero oriental.Tanto la capa y la túnica que viste como, sobre todo, , el turbante con plumas definen el aspecto exótico del pintor. La idea de retratar , una figura en atuendo  oriental es frecuente en la obra de Rembrandt y de los pintores de su entorno. Este gusto por lo exótico respondía a la curiosidad que despertaba en la cultura europea de su tiempo un mundo en expansión y, también era consecuencia de la política cultural y comercial de los Países Bajos en Asia.



Sabemos que Rembrandt coleccionó objetos exóticos, incluyendo medallas, instrumentos musicales, cerámica , armas y armaduras antiguas y asiáticas, y" un montón de telas antiguas de diversos colores, entre otras muchas cosas. Estos objetos inspiraban al artista al pintar sus cuadros para asi dotarlos de un carácter original. El historiador de arte Filippo Baldinucci ( 1624-1696 ) que , en 1686 escribió una de las biografías más tempranas de Rembrandth afirmó que  el pintor coleccionaba objetos con el fin de utilizarlos en sus cuadros . Otro  componente que alimentaba ese interés por lo exótico en los pintores de la  generación de Rembrandt es la frecuente representación de historias bíblicas que evocan escenas de Oriente Próximo.


Es llamativa la presencia de un caniche gigante en el primer plano del cuadro. En época de Rembrandt esta raza se usaba para cazar , y no sabemos que  tuviese ninguna asociación oriental o exótica. Al margen de que existía alguna razón personal que desconocemos para pintar ese perro, su presencia se puede interpretar como forma de añadir estatus al retrato, ya que como perro de caza era una raza coleccionada por la aristocracia y la realeza europea.


Una radiografía del cuadro demuestra que originalmente Rembrandt se retrató con las piernas y los pies a la vista y, que más adelante decidió taparlas añadiendo el perro. Al  parecer, la presencia del animal se explica , al menos en parte, porque servía para solucionar un problema pictórico a Rembrandth : a Rembrandth no debió de satisfacerle el aspecto del cuadro cuando mostraba las piernas y los  pies completos. Un copia que se conserva en una colección privada documenta el estado original de la composición. Al compararla con el cuadro que aquí se  estudia , comprobamos cómo la inclusión del perro hace que la figura parezca menos aislada y más próxima, y añade también un ritmo más complejo y más dinámico a la composición.


Este autorretrato es una de las muestras más explicítas del enorme interés que  la carrera de Rubens ( 1577-1640 ) suscitó en el joven Rembrandth. Para pintarlo, este último se inspiró en uno de los Reyes Magos que aparece en una Adoración de los Magos del flamenco , que debió de conocer a través de una estampa grabada por Lucas Vorstermann ( 1595-1675 ) . La pose, el turbante y el atuendo que viste Rembrandth son muy similares a los de la imagen de su colega. También el hecho de estar representado de cuerpo entero parece inspirarse en la misma fuente:  Rembrandth no se retrató de esta forma en ninguna ocasión. En el mismo año en que pintó este autorretrato realizó otro en una estampa inspirado en un autorretrato  de Rubens, también conocido a través de otra estampa. El maestro flamenco se  retrató como el ilustre caballero que era, con sombrero, cadena y capa. El aguafuerte de Rembrandth imita la pose y el atuendo del autorretrato de Rubens, y, demuestra, como la hace este cuadro, hasta qué punto el pintor de Amberes representaba para el joven Rembrandth un modelo a imitar . Al margen de un comportamiento social y de una imagen externa , ese modelo implicaba también que la dedicación a la pintura de historia era un asunto principal en el repertorio de un artista.

Bibliografía : Rembrandt , Edic , Taschen

Tamara Tamaral
12-08-2014

CABALLERO Y MUCHACHA BEBIENDO : LA COPA DE VINO JAN VERMEER

CABALLERO Y MUCHACHA BEBIENDO : LA COPA DE VINO  ( 1659 ) 

CABALLERO Y MUCHACHA BEBIENDO  LA COPA DE JAN VERMEER
óleo sobre lienzo 65 x 77 cm
Berlín, Preussischer Kulturbesitz, Gemádelgalerie

En este cuadro presenta relaciones temáticas y formales Muchacha con copa de vino ,que se considera poco posterior. Los dos son muy próximos a las escenas de género .El lienzo muestra una estación señorial , de la cual se ven dos ventanas , una mesa y un cuadro ricamente enmarcado. A la mesa está sentada una joven bebiendo vino : su rostro queda oculto por la cofía blanca y por ello no podemos ver su expresión. Es también bastante ambigua la actitud del hombre en pie junto a ella, que aún tiene en la mano el jarro del que acaba de servir el vino .

Es probable que el pintor pretendiera representar una escena de seducción , como confirmaría tanto el tema del vino como la presencia de un instrumento musical en la silla de primer plano: en la tradición iconográfica , estos dos elementos aluden a la esfera de la sensualidad . La pintura se interpreta en clave moralizante : en la decoración de la vidriera se ve una figura femenina que lleva riendas , imagen emblemática de la Templanzay por tanto, admonición a la moderación. El motivo de la vidriera se ve mejor en Muchacha con copa de vino donde el tema amoroso es más explícito.

El cuadro, que los críticos juzgan próximo a la Lechera , presenta rasgos estilísticos diferentes : la factura es más controlada y fina,como muestra, por ejemplo, la limitación en el uso de la técnica de puntitos , reducida a pocos trozos. Según los estudiosos esta obra inagura una serie de pinturas en las cuales Vermeer fue renunciando progresivamente a la libertad en el uso del color , en el que prefiere una aplicación más delicada y apropiada para la figuración de escenas elegantes.

Blbliografía: Vermeer, Jan " Biblioteca " El Mundo "

Tamara Tamaral

12-08-2014

EL GRAN MASTURBADOR SALVADOR DALI

EL GRAN MASTURBADOR 1929

El gran masturbador
óleo sobre lienzo 110x 150 cm
Centro de Arte Reina Sofia

En el caso de El gran masturbador , buena parte de esas representaciones pueden relacionarse con los" orígenes " del pintor ." Desde el momento de mi llegada a Cadaqués " ,fui acometido por un recrudecimiento de mi período infantil ", anotaría con posterioridad refiriéndose a aquel verano ". Su mente se había poblado de un sinfín de percepciones que intentó trasladar a la pintura tan milimétricamente como le fue posible . Podemos identificar esa regresión con el encadenamiento de las tres figuras , situadas bajo la faz del gran masturbador: encadenamiento que concluye, al fondo, en la linea del horizonte, con un niño cogido de la mano de un adulto, una característica representación  en los cuadros de aquel momento del pintor niño. También formarían parte de esa vuelta a los parajes de la infancia el saltamontes, las piedras, las conchas , las plumas de colores, el suelo reseco o las hormigas .

La mujer petrificada enlazaría asi mismo con esos recuerdos " biográficos " No en balde , uno de sus modelos fue un espejo modernista colgado desde siempre en la casa familiar de los Dali . En general, los recuerdos infantiles representados en el óleo están teñidos por el miedo. También el rostro de esa dama . Si tenemos en cuenta que el segundo modelo en que se inspiró fue el cuadro de Dante Gabriel Rossetti, Beata Beatrix, y que Dali consideraba la mujer prerrafaelista como sinónimo de " terror " y " repugnancia "entonces entendemos mejor el estado de petrificación que presentan , tanto ella como el cuerpo masculino al que acerca sus labios . Ambos se vincularían con la cabeza de león cercana que, con sus cabellos erizados, nos recuerda una temible Gorgona, cuya mirada destruía petrificado.

El temor a la castración, simbolizado según Freud por la cabeza de la Medusa, se subrayaría mediante la ostentosa lengua que sobresale enrojecida y fálica,de entre los afilados dientes del león . Este conjunto de sexualidad y muerte,al que no son ajenas las volutas arquitectónicas en ruinas, en que se prolonga la pareja de la derecha , o el páramo aciago sobre el que se levanta la totalidad de la representación , no resulta tan sólo un documento psicopatológico completamente alejado del mundo del arte-como entonces pretendía hacer  creer Dali , en sintonía con los postulados surrealistas

El jardín de las delicias ( detalle ) Bosco, 1510
Madrid, Museo Nacional del Prado

Pese que el pintor siempre defendió que ese rostro angustiado se basaba en  una roca de Cap de Creus ( agreste paisaje cercano a Cadaqués ) lo cierto es que trabajos recientes lo han relacionado con una de las imágenes de la " Tabla de la Creación " que forma parte del tríptico El jardín de las delicias de Hieronymus Bosch , una obra que Dalí conocía bien por hallarse en el Museo del Prado . Si tenemos en cuenta que, como el cuadro de Dalí, la obra del pintor flamenco es también una oscura inmersión en las profundidades de los orígenes- en cuyo fundamento se entremezcla la sexualidad y la muerte- quizás entonces estemos en condiciones de entender por qué El gran masturbador dos años después de haber sido ejecutado, continuaba acechando las noches de André Breton hasta poblar de pesadillas sus sueños

Bibliografía : Dalí , Salvador , Edic ; " Todo Arte "

Tamara Tamaral
12-08-2014